Capitoli
- 01. Una breve storia della fotografia contemporanea
- 02. Arte: fotografia contemporanea e plastica
- 03. Raymond Depardon e la fotografia contemporanea soggettiva
- 04. La foto contemporanea e la pittorialità
- 05. Arte contemporanea, fotografia e moda
- 06. Capire la fotografia contemporanea grazie ai fotografi europei
Dal cinema al digitale, dal fotoritocco alle foto astratte, molti artisti hanno utilizzato e utilizzano ancora la fotografia come mezzo di espressione e quindi di creazione.
Arte fotografica, grandi fotografi, avanguardie, museo di arte moderna, scopri i principali punti della fotografia contemporanea.
Una breve storia della fotografia contemporanea
Le correnti artistiche sono a volte complicate da definire e da capire. I confini tra due diverse correnti o movimenti sono spesso molto labili.
Labile perché la transizione da una corrente all'altra raramente avviene in contemporanea.
Ci vuole tempo perché il metodo artistico si evolva. Inoltre, sono spesso correnti definite dagli storici dell'arte, non dagli artisti stessi.
E chi dice storici dell'arte, dice ovviamente date.
In effetti, sono le date che definiscono la fotografia contemporanea.
Ecco la definizione data da Wikipedia:
La fotografia contemporanea è la raccolta di immagini fotografiche prese dagli anni '80 ad oggi e legate al campo delle arti visive e pratiche.
Una data iniziale riconosciuta anche dal famoso Museo di Arte Contemporanea di Parigi, il Centro Nazionale di Arte e Cultura Georges Pompidou.
Ecco come la storia della fotografia è attualmente divisa:
- Dal 1839 al 1920, si parla di fotografia antica,
- Dal 1920 al 1980, circa, si parla di fotografia moderna,
- Infine, dal 1980 ad oggi, si parla di fotografia contemporanea.
Ma cosa può rappresentare il concetto di fotografia contemporanea nel mondo degli artisti?
A metà degli anni '80, viene chiamata "fotografia contemporanea" tutta quella serie di fotografie che non sono più legate alle tecniche convenzionali.
Ma, soprattutto, la fotografia acquisisce in quel momento un vero status dell'arte a pieno titolo. Questo è il fatto più notevole, l'elemento da prendere in considerazione: è un grande passo per un'arte che è stata, fino a circa quaranta anni fa, pensata come traduzione della realtà e non come mezzo di espressione.
Molto prima dell'avvento dell'immagine digitale, Bernd e Hilla Becher furono i primi a pensare alla fotografia come a una forma di arte concettuale.
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Conosciuti per le loro fotografie di edifici industriali, i due fotografi tedeschi paragonarono questi stabili alle moderne cattedrali dell'epoca.
In particolare, utilizzavano le cosiddette tecniche tradizionali della fotografia di edifici per fotografare questi edifici moderni.
Gli insegnamenti che entrambi gli artisti impartiscono in Germania sono di ispirazione per più di una persona, più di un fotografo. Molti artisti seguiranno le loro orme, tra cui Thomas Ruff e Andreas Gursky.
Pratiche senza precedenti, rapporto con tempi diversi, nuove tecniche: la fotografia contemporanea offre un vero e proprio cambiamento agli artisti. Questo offre nuove possibilità.
Nuovi concetti fanno la loro comparsa:
- distorsione,
- fotomontaggio,
- la polaroid,
- nuovi materiali, che fungono da asupporto per la stampa,
- trompe l'oeil,
- rinnovamento stilistico,
- produzione artistica,
- origini varie,
- arti tecnologiche.
Gursky, Parr, Witkin, Tosani, Matta-Clark, Appelt, Brotherus, molti fotografi iniziano ad aprire il campo delle possibilità.
Dalle mostre in Cina a quelle presentate in Francia, la fotografia contemporanea ha conquistato il mondo.
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Arte: fotografia contemporanea e plastica
La fotografia contemporanea è conosciuta prima di tutto per la corrente della fotografia plastica.
Infatti, a partire dagli anni '80, la fotografia è stata riconosciuta come un'arte a se stante dalle Belle Arti.
Non si tratta più soltanto di fare fotografie per la stampa o per illustrare dei libri, bensì di scattare fotografie con un intento estetico.
Si verifica quindi una rottura. A partire da questo momento, ci sono, da una parte, gli artisti e, dall'altra, i fotografi.
Una rottura chiaramente indicata dalle parole di Christian Boltanski, che si considera più un pittore che un fotografo:
"La fotografia è fotogiornalismo, il resto è dipingere".
Distinguiamo quindi tra fotografia d'arte e fotografia pura, chiamata anche "straight photography".
I mezzi si diversificano, quindi. Le fotografie artistiche vengono esposte, le altre vengono utilizzate per illustrare un soggetto.
Tuttavia, qualunque sia la forma prescelta (documentaria, artistica, ...) la fotografia rimane ancora un modo per divulgare, analizzare e capire ciò che ci circonda.
Non si può quindi impedire una certa interpretazione.
Nuovi formati sono stati inventati, di recente, con Small Multimedia Works, un oggetto che combina fotografia e l'editing personalizzato.
Queste creazioni sono tuttavia utilizzate tanto come lavoro artistico, quanto come supporto giornalistico.
Permettono di esprimere la propria sensibilità attraverso la fotografia e tutte le nuove tecniche digitali.
Un modo per integrare la modernità nella fotografia contemporanea e renderla sempre attuale. Questo è ciò che imparerai nell'ambito di un corso di fotografia.
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Raymond Depardon e la fotografia contemporanea soggettiva
Fotografo e regista francese, Raymond Depardon è un gigante della fotografia contemporanea.
Conosciuto in tutto il mondo, creò la famosa agenzia fotografica Gamma nel 1966, poi si unì all'agenzia Magnum nel 1979.
Vero monumento della storia della fotografia, Raymond Depardon si afferma nella sua epoca con una particolare forma di fotografia: la fotografia soggettiva.
Nelle sue opere, crea quindi un ponte tra i codici giornalistici della fotografia e l'introspezione.
La fotografia soggettiva consente all'autore di trascrivere queste emozioni e non soltanto fatti giornalistici.
Si tratta di una vera visione d'autore e d'artista.
I fotografi trasmettono quindi la loro visione del mondo.
Con i suoi reportage in Cile nel 1971, a Beirut nel 1978, a Glasgow nel 1980, il fotografo cerca di fotografare ciò che è intorno agli eventi dell'epoca.
Il suo sguardo si allontana dai fatti. Raymond Depardon si allontana sempre di più dalla fotografia umanistica.
Molte mostre continuano a fare il giro il mondo per presentare le più grandi opere di fotografia soggettiva, tra cui quelle di Raymond Depardon.
La foto contemporanea e la pittorialità
Ampiamente ispirata alla pop art, il movimento artistico degli anni '60, la pittorialità è fondamentale nella fotografia contemporanea.
Con l'avvento del digitale, la fotografia utilizza i codici pubblicitari per creare grandi formati di editing e altri processi.
Un po 'come questi dipinti contemporanei che sono difficili da capire, la fotografia nella fotografia richiede l'interpretazione dello spettatore.
Gilbert e George, due artisti professionisti che lavorano in duo, utilizzano i fotomontaggi e altre tecniche per creare dipinti molto originali.
Un fotomontaggio è un insieme di fotografie per collage, per stampa o per software che danno ad una foto un aspetto diverso, incorporando una o più parti o la totalità di un'altra foto e consentendo qualsiasi ritocco ed effetti speciali.
Descritta così dal sito di Wikipedia, la tecnica del fotomontaggio fornisce un buon resoconto di ciò che è la fotografia contemporanea. Sono quindi consentite tutte le tecniche, anche le più folli.
Descrivono quindi le loro opere come "immagini".
Quest'ultima si contrappone alla fotografia documentaria delle riviste.
Questo stile fotografico intende avvicinarsi alla pittura. I fotografi realizzano lavori modificati. Le foto non rimangono come sono state scattate e subiscono un cambiamento da parte dell'autore.
Tendono allora a creare un'arte anti-elitaria e aperta a tutti.
Scopri che cosa si intende per fotografia paesaggistica!
Arte contemporanea, fotografia e moda
La fotografia di moda si riferisce a un genere di fotografia dedicato all'abbigliamento e agli stili di abbigliamento, a volte composti da pezzi di alta moda, indossati da modelli e realizzati da fotografi di moda.
Sebbene la fotografia di moda esista fin dall'inizio del secolo scorso, è soltanto nel corso della storia che si è evoluta.
Negli anni '80, gli spot pubblicitari occupavano sempre più spazio nel panorama fotografico.
I grandi marchi utilizzano la fotografia per farsi conoscere.
Nei primi anni 2000 compare un nuovo termine: "image maker". Alcuni artisti affermano di essere più simili a "creatori di immagini" rispetto ai fotografi.
Uno dei più noti rimane Helmut Newton (fa parte della storia della fotografia?).
Fotografo australiano di origine tedesca, quest'ultimo è stato in grado di fotografare molte star internazionali (Cindy Crawford, Claudia Schiffer, Monica Bellucci).
Si possono annoverare anche grandi nomi come:
- Terry Richardson,
- Richard Avedon,
- Bruce Weber,
- Inez e Vinoodh,
- Steven Klein.
Scopri anche la storia della fotografia culinaria!
Capire la fotografia contemporanea grazie ai fotografi europei
Glauco Canalis e le metropoli mediterranee
Il nostro Paese da i natali a decine di artisti della macchina fotografica, che si fanno conoscere in tutta Europa, a volte anche in tutto il mondo. Le loro mostre sono visitabili periodicamente nei piccoli e nei grandi musei italiani, in quelli europei e nordamericani.
La loro interpretazione della realtà e della tecnica fotografica contribuisce alla strutturazione delle contemporanee correnti fotografiche.
Alcuni di loro, in particolare, realizzano degli scatti che sono delle riflessioni sulla nostra società, sui drammi del quotidiano, sui cambiamenti socio economici che attraversano da nord a sud le regioni d'Italia.
Pensiamo, ad esempio, a Glauco Canalis, giovanissimo fotografo (classe 1990) originario della città di Piazza Armerina, provincia di Enna, ma che vive stabilmente a Londra (Brexit permettendo!).
Le sue foto sono delle riflessioni sulle nozioni di identità e di luogo, con un'attenzione particolare all'area del Mediterraneo (almeno a quello del versante italiano). Forte della sua esperienza di vita nella metropoli londinese, Canalis si occupa di fotografare i contesti giovanili, le comunità urbane e i rapporti fra culture e popoli. Questo suo approccio alla fotografia artistica si dipana in particolare negli scatti realizzati in due delle principali metropoli del sud Italia: Catania e Napoli, visti attraverso gli occhi dei suoi quartieri più popolari, prendendo ispirazione più dai margini sociali che da quelli geografici delle città, un’ode alle vite dei giovani cresciuti senza privilegi.
L'urbanità delle foto di Canalis si respira anche nelle modalità stilistiche della sua prima esposizione: alcune foto non vengono classicamente messe alle pareti, ma sorrette da delle cornici in cemento realizzate proprio dall'artista stesso e sostentute da un telaio in rete metallica. L'obiettivo dell'utilizzo del cemento armato e del ferro è quello di rimandare idealmente ai materiali prevalenti che troviamo in tutte le periferie d'Italia (e non solo).
Pedro Neves Marques e la questione di genere
Il fotografo portoghese (nato a Lisbona nel 1984) Pedro Neves Marques (le cui opere sono state recentemente in mostra a Napoli) punta il suo obiettivo su un altro tema caro alla società contemporanea, quello della questione di genere e della riproduzione, della genetica contemporanea. Insomma, si tratta di indagare tramite gli scatti il legame tra scienza e emancipazione di genere.
Il concetto di autobiografia sta stretto a Neves Marques, che decide allora di effettuare una ricerca sulla relazione tra il sé e il corpo, attraverso un mix di finzione e realtà, che nei suoi scatti si sovrappongono di continuo, opponendo ciò che è natura a ciò che non lo è (come nel caso degli uomini che producono ovuli). Il corpo non è più né maschio, né femmina; né macchina, né creatura.
L'ambiguità delle fotografie di Thomas Wrede
Come in Canalis, anche nel fotografo tedesco Thomas Wrede (nato a Iserlohn, nel 1963) è potente l'attenzione alla città e all'uomo che in essa vive. Ma questa relazione, viene analizzata in maniera diversa.
Il progetto di Wrede prende vita da un filtro che l'artista pone davanti all'obiettivo, grazie ad una sorta di stress test cui sottopone l'organo della vista, prendondo spunto dalle illusioni che possono trarre in inganno i nostri occhi. Nelle mostre di Wrede si cede volentieri a virtuose composizioni, che rendono ancora più ambigui i dati raccolti dalla vista. "Qual è la verita?" sembra voler chiedere l'artista al fruitore delle sue opere.
Le composizioni di Wrede sono chiamate, dall'artista stesso, Landscape e vengono esposte al pubblico, che dovrà decidere se quello che sta osservando sia un paesaggio reale fotografato per diventare un modellino o un modellino fotografato per diventare un paesaggio reale.
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