Insegnante di Batteria a Milano: tecnica, postura e musicalità — prima lezione gratis . Diplomato Berklee College of Music (Drums) • Key Teacher rete internazionale • più di 400 allievi

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• Quando hai cominciato ad appassionarti alla musica e quando hai iniziato a suonare il tuo strumento preferito?

  Mi sono appassionato alla musica fin da bambino: ascoltavo dischi, concerti, tutto ciò che avesse ritmo. La batteria è arrivata presto, intorno ai 12 anni, ed è stato un colpo di fulmine immediato. Da lì non ho più smesso: studio, band, live, registrazioni e ricerca personale. Per me la batteria non è solo uno strumento, ma un modo di comunicare e di esprimere identità ed energia.

• Quale musica potresti ascoltare in loop senza stancarti mai?

  Potrei ascoltare in loop la musica che mette al centro il groove e la personalità. Band come Toto, Tower of Power, Dream Theater, Liquid Tension Experiment, Queen, Van Halen, Michael Jackson ed Elton John continuano a sorprendermi ogni volta. Ogni ascolto rivela sfumature nuove: un respiro, un fraseggio, una scelta sonora. È musica viva.

• Qual è la lezione più difficile o più sorprendente che ti ricordi?

  La lezione più sorprendente non riguarda un esercizio tecnico, ma un passaggio di consapevolezza. Uno studente “sapeva fare” tutto, ma il groove non respirava. Abbiamo lavorato su postura, equilibrio e tempo come movimento naturale del corpo. All’improvviso tutto si è sciolto: la musica è diventata fluida. Quella lezione mi ha ricordato che la batteria non è solo tecnica: è presenza.

• Qual è, secondo te, lo strumento più complicato da suonare e perché?

  La batteria è uno degli strumenti più complessi perché coinvolge corpo, ascolto e mente contemporaneamente: quattro arti indipendenti, tempo stabile, dinamiche, interazione con gli altri. La difficoltà non è nella forza, ma nella finezza del controllo. La batteria è equilibrio, respiro e intenzione.

• Quali sono, secondo te, le chiavi per riuscire in campo musicale (oltre a quelle del Sol e del Fa :-P)?

  Per me le chiavi sono ascolto, costanza e identità.
  Ascolto: sentire davvero sé stessi e gli altri.
  Costanza: piccoli passi quotidiani che costruiscono solide fondamenta.
  Identità: non “fare come gli altri”, ma imparare a riconoscersi e ad esprimersi.
  Quando queste tre cose si incontrano, la musica prende vita.

• Quali sono i musicisti con cui ti piacerebbe suonare? Perché?

  Mi piacerebbe suonare con artisti che vivono la musica come dialogo. Penso a Al Jarreau, per la sua musicalità ritmica; a Dave Grusin, per l’eleganza delle atmosfere; a John Petrucci, per la profondità del suo fraseggio; o a Freddie Mercury, capace di trasformare ogni nota in emozione.
  Tra gli italiani mi ispirano musicisti creativi come Stefano Bollani e Federico Malaman: ascolto, gioco, interplay puro. Con loro la musica non si esegue: si conversa.

• Raccontaci un aneddoto divertente o particolare relativo alla tua formazione o al tuo lavoro!

  Durante un periodo di studio intenso, mi accorgevo che più “spingevo”, più il suono era rigido. Un giorno, in sala prove da solo, ho realizzato che stavo trattenendo il respiro e irrigidendo tutto il corpo. Ho mollato le bacchette, respirato, sciolto le braccia… e quando ho ripreso a suonare il groove era completamente diverso: più naturale, più vero. Da allora ho capito che spesso migliorare significa togliere tensione, non aggiungere tecnica.

• Cosa ti rende un vero Superprof adorato da tutti gli allievi?

  Metto al centro la persona, non il metodo. Ogni studente ha un proprio modo di percepire ritmo, tempo e movimento: io costruisco il percorso su misura, senza modelli rigidi. Creo un ambiente accogliente, senza giudizio, dove si può sbagliare, ridere, imparare e crescere.
  La mia soddisfazione non è solo vedere lo studente suonare meglio, ma vederlo credere in sé stesso e trovare la propria voce musicale.